La banda CHOKE ha lanzado recientemente su single digital Hack to the basic. Con el mundo inmerso en miedo y pánico debido a la amenaza invisible del coronavirus; pero en este año, CHOKE no se centra en el virus COVID-19 en sí. La banda se burla de la sociedad histérica y expresa la importancia de evaluarnos a nosotros mismos, con el mismo enfoque cínico de sus pasados singles digitales No problem at all y The Human Anthem.

A diferencia de las composiciones alternativas y pesadas de “No problem at all” y “The Human Anthem”, cargadas de elementos complejos y letras difíciles de digerir; CHOKE se sumerge al nu-metal con “Hack to the basic” y declara a través de la actitud positiva dentro de la letra y melodía que seguirán abriéndose camino sin importar las circunstancias. Esperamos que esta entrevista ayude a otros a entender lo que CHOKE quiere transmitir. 

En lugar de señalar un problema como en nuestros dos últimos lanzamientos, estaba entusiasmado por hacer una canción más optimista y divertida.

CHOKE ha declarado por medio de “Hack to the basic” que los recintos musicales son su espacio vital. ¿No es así?

REON: Como banda, todo gira en torno a las presentaciones en vivo. En estos momentos, cada recinto aplica sus propias medidas sanitarias, tales como “solo se puede levantar la voz si se usa cubrebocas” o “hacer moshing está prohibido”. No se puede tener el mismo ambiente, así que también es difícil para el público divertirse como antes. En este caso, CHOKE ha tomado la iniciativa de mostrar una nueva forma de disfrutar los conciertos. Ese sentimiento se inyectó a “Hack to the basic” y espero que todos ustedes puedan sentirlo también. Simultáneamente, es una muestra de nuestra determinación de seguir adelante. La música tiene una vibra animada, creo que eso sirve como punto de interés.

En comparación con los singles digitales No problem at all y The Human Anthem, ciertamente este nuevo single es mucho más pegadizo.

REON: “Hack to the basic” es una canción con una onda fresca. En lugar de señalar un problema como en nuestros dos últimos lanzamientos, estaba entusiasmado por hacer una canción más optimista y divertida.

¿Esta canción se hizo con la intención de tener un “buen gancho” en mente?

KVYA NONO: En nuestros comienzos, seguido se referían a CHOKE como una “banda que revive el nu-metal”. Desde el año pasado, hemos actuado constantemente junto a bandas de la escena metalcore y agrupaciones pesadas de visual kei. Nos dimos cuenta de que hay muchas bandas de metalcore que son increíbles. Eso nos hizo reflexionar sobre la dirección que debíamos seguir y el tipo de música que debíamos tocar. Hablamos de “volver a nuestras raíces de nu-metal”, y fue así que se hizo este trabajo con tal intención. De hecho, la idea de hacer una canción con sabor a nu-metal siempre ha estado en el aire, pero no encontrábamos el momento adecuado para lanzarla. Pero por fin pudimos hacerlo. Además, nuestro baterista de apoyo, Toshiya Sato, tiene un estilo que enfatiza el buen ritmo. Eso me inspiró en gran medida para tomar el impulso de volver a nuestros orígenes nu-metal.

Toshiya Sato: Cuando recibí el demo, KVYA NONO me dijo que quería hacer esta canción muy atractiva y pegadiza. Así que intenté mezclar mi propio ritmo con el mundo de CHOKE, sin dejar de lado el rap de REON y el ritmo del equipo de cuerdas.

B5: Formamos esta banda porque todos los miembros compartíamos las mismas influencias musicales y apuntábamos en la misma dirección respecto al tipo de música que queríamos hacer. Como resultado de volver a ese punto y enfocarlo de una nueva manera, “Hack to the basic” es el sonido evolucionado del estilo que hemos llevado consigo desde nuestros inicios.

“Hack to the basic” nació del rastro del movimiento nu-metal, popular a principios de la década de los 2000, fusionado con elementos del hip hop de la vieja escuela y una mezcla de atmósfera con estilo japonés.

Cuando escuché “Hack to the basic”, me dio la sensación de “mezcla” que se suele emplear en la escena japonesa.  Se puede sentir el aura de aquellos días en la canción.

B5: “Hack to the basic” nació del rastro del movimiento nu-metal, popular a principios de la década de los 2000, fusionado con elementos del hip hop de la vieja escuela y una mezcla de atmósfera con estilo japonés. Hemos vivido inmersos en ese aire. Pensamos que sería estupendo mostrar una banda que transmitiera el ambiente de aquellos años, pero con un estilo fresco. Creamos “Hack to the basic” con esa mentalidad y creo que la canción definitivamente lo logra. 

Parece que CHOKE despierta esa nostalgia, pero sin llegar a ser totalmente retro.

B5: Añadimos scratching y trajimos de vuelta otros toques característicos pero, a la par, proyecta un ritmo moderno. Pero, sobre todo, el tema más importante en “Hack to the basic” es divertirse.

KVYA NONO: En mi interpretación del nu-metal, el punto clave es la implementación del sampling junto con un toque de hip hop. Este lanzamiento se centró en esos elementos; por esta razón, el lado B, “Stay high (retake)”, es una canción que presenta scratching y samples de una voz femenina. Asimismo, fui muy consciente de darle un estado de ánimo no tan explosivo en contraste con la energía del slam de los años 2000 y el flujo “hey” característico del hip hop clásico. “Hack to the basic” es una canción con ritmo atresillado; sin embargo, no tiene la sensación de tener una cadencia animada porque intenté eliminar todo el swing en la medida de lo posible. En particular, creo que la guitarra transmite una vibra underground.

CHOKE no es el tipo de banda que hace música para fiestas bulliciosas, ¿verdad?

KVYA NONO: No. Es decir, no puedo ver a REON gritando “¡Oh, yeah!” en un concierto. ¿Tú sí? Es verdad que la canción tiene un fuerte sabor a hip hop y lleva una buena onda que se asemeja a un estilo de fiesta, pero el coro tiene influencia del carácter despreocupado del city pop, así como los acordes maduros de este. CHOKE es el tipo de banda que puede convertir esto en algo no festivo. Lo hice deliberadamente.

B5: No obstante, en los conciertos, esta canción destaca sobre las demás por su onda groove. La letra de “Hack to the basic” es interesante, ya que la gente puede hacer diferentes interpretaciones. Según la perspectiva del oyente, puede ser positiva o negativa. Espero que puedas verla como una canción cuyo significado dependerá de cada persona.

En lugar de hacer ajustes, así tengamos que empezar desde cero, debemos crear una nueva forma de vivir. De lo contrario, la situación en la que nos encontramos nosotros y nuestros allegados no cambiará.

Por favor, háblanos de los sentimientos dentro de la letra de “Hack to the basic”.

REON: Nuestras vidas están a merced de la crisis del coronavirus desde el año pasado. Todavía no hemos encontrado una solución, por lo que seguimos en caos. De esa manera me sentí al principio de la pasada primavera, cuando alrededor de mayo o junio la gente en el poder dio las directrices sobre cómo debíamos proceder. La realidad es que no nos mostraron nada. O tal vez lo hicieron, pero eso no resonó conmigo en absoluto y no pude divisar nada hacia el futuro. Pensé “si tenemos que esperar a que alguien nos guíe, nos quedaremos atascados”. “No problem at all” y “The Human Anthem” nacieron de esa ansiedad y descontento. Quería alentar a las personas a elegir su propio camino y seguir adelante a través de estas canciones. Podría haber expresado mi descontento una vez más, pero quería ir en una dirección más positiva. Por eso incluí un mensaje optimista en la canción.

Respecto al sonido, como ya han lo han mencionado los otros miembros, el nu-metal es la base de mi propio estilo musical. La composición en sí se hizo con el propósito de “volver a lo básico” y la letra también expresa la misma idea. Sin embargo, no tenía un buen giro, así que cambié la primera letra para convertirla en “Hack to the basic”. De este modo, adquiere el significado de “cortar” o “hackear”. En otras palabras, significa “demoler el conjunto actual de lo básico”. De ese fundamento nació la letra final.

Con “demoler el conjunto actual de lo básico”, ¿te refieres a “cambiar nuestra situación actual y el mundo”?

REON: Si este modo de confinamiento continúa, nos acostumbraremos a él y este estilo de vida se convertirá en la norma. Y a juzgar por cómo van las cosas hoy en día, esta situación seguirá así. En lugar de hacer ajustes, así tengamos que empezar desde cero, debemos crear una nueva forma de vivir. De lo contrario, la situación en la que nos encontramos nosotros y nuestros allegados no cambiará. En pocas palabras, el CHOKE actual ha decidido seguir su propio camino y abrirse paso, sin importarle lo que hagan los demás. Ese sentimiento se plasmó en “Hack to the basic”.

Al mismo tiempo, he sentido una fuerte conexión con la gente a la que le gusta CHOKE y he entrado en contacto con las emociones de esas personas al actuar en vivo. Ahora, también hay una conexión con gente de todo el mundo a la que realmente le gustamos. Quise transmitir un mensaje positivo a todos ellos también. Me gustaría que B5 explicara a continuación su enfoque en cuanto al sonido.

Por favor, comparte con nosotros tu opinión.

B5: En esta ocasión, para “Hack to the basic”, use un bajo con el cual solía tocar frecuentemente en el pasado. Ese modelo de bajo era el típico que utilizaban muchos bajistas cuando el nu-metal estaba en su apogeo. Como el tema se centraba en volver al nu-metal, saqué ese bajo en específico (el cual no había usado en mucho tiempo). Realmente fue la mejor opción.

No solo es “regresar a lo básico” con este sencillo, sino “regresar a CHOKE”.

Has “regresado a CHOKE” a través de “Hack to the basic”. ¿Seguirás experimentando con tu estilo más reciente?

KVYA NONO: El lado B de este single digital es “Stay high(retake)”, que es la versión regrabada de este tema de nuestro primer álbum. A menudo tocamos esta canción, lo que nos llevó a discutir si este tipo de nu-metal es el estilo que CHOKE debería seguir. Recientemente, CHOKE ha estado enfatizando la complejidad con una actitud retadora, pero nos hemos estado preguntando si deberíamos mantener el enfoque adoptado en “Hack to the basic”. O tal vez deberíamos ir en una dirección completamente diferente… Para ser sinceros, aún no tenemos una idea clara, ya que dependerá de nuestro estado de ánimo en ese momento. Espero que la gente espere con ansias lo que sea que saquemos.

Si hablamos de CHOKE, mi impresión es que son una banda con un estilo musical intrincado pero; de hecho, su estilo básico es el nu-metal. ¿No es así?

KVYA NONO: Es correcto. Además, creo que últimamente la gente busca más el minimalismo que la complejidad. “Hack to the basic” es un tema que se puede tocar con la afinación para una guitarra de 6 cuerdas. Básicamente, utilizo la afinación estándar pero bajando algunas cuerdas dos notas para darle un gancho particular.

B5: Todo esto fue inspirado en el estilo de batería de Toshiya Sato. Su enfoque realmente sobresale en una canción con buen ritmo.

Toshiya Sato: Todos los miembros conocen muy bien mi particular estilo de tocar la batería. Soy de los que han adoptado ávidamente diferentes estilos musicales, no solo metal extremo. Mi disposición siempre es la de tocar adaptándome al carácter de la canción, así sea un ritmo de 8 tiempos. Esta vez, en “Hack to the basic”, me propuse fusionar metal con un groove de pop moderno. Creo que fui capaz de reunir exitosamente un sonido pesado con un ritmo fresco.

KVYA NONO: No solo es “regresar a lo básico” con este sencillo, sino “regresar a CHOKE”. ¿Cierto?

B5: Supongo. Hemos probado varias cosas pero, tras reflexionar sobre lo que somos, volvimos a lo que es básico para nosotros… ¿no?

Hemos vivido respirando el aire del nu-metal. ¿No podemos envolvernos en la atmósfera de aquellos días, volver a subir al escenario y ser aún más agresivos?

CHOKE ha lanzado un acertijo hacia el futuro en el tráiler de “Hack to the basic”.

KVYA NONO: Como el vídeo lo edité yo mismo en su totalidad, capté la mentalidad de REON y lo he presentado desde mi perspectiva de cómo plantear el problema. Dependiendo de cómo se mire, puede que se interprete de forma negativa. Pero déjenme decirles algo, el futuro de CHOKE se ve brillante y estaremos planeando muchas cosas para el 2021.

REON: A lo largo del año, he visto bandas desintegrarse o abandonar las actividades en vivo debido al impacto del COVID-19. Es algo que todavía se ve con frecuencia. Si te la pasas lamentándote, las cosas seguirán igual. En lugar de ver solo el vaso medio vacío, ¿qué tal si intentamos sacar algo de provecho de esto? Tanto yo como los demás miembros y el propio CHOKE somos de los que están dispuestos a afrontar cualquier reto. Esta banda nunca tendrá una actitud pesimista, sin importar las circunstancias.

B5: Es por ello que quisimos transmitir un mensaje positivo con “Hack to the basic” a finales de 2020, y de esta manera seguir avanzando en 2021 como CHOKE.

KVYA NONO: En 2021, no frenaremos el ritmo de lanzamientos y nos centraremos en nuestras actividades básicas mientras mejoramos nuestras habilidades.

B5: Hemos vivido respirando el aire del nu-metal. ¿No podemos envolvernos en la atmósfera de aquellos días, volver a subir al escenario y ser aún más agresivos?

KVYA NONO: Mostramos nuestra faceta compleja en los dos últimos lanzamientos, pero nuestra esencia proviene del estilo nu-metal. Volvimos a nuestros orígenes y le dimos un enfoque positivo con “Hack to the basic”. Por favor, experiméntenlo por ustedes mismos.

Toshiya Sato: “No problem at all”, “The Human Anthem” y “Hack to the basic” son las tres canciones que se convertirán en los nuevos básicos de CHOKE, con los que la banda está afrontado el futuro. Y, en concreto, “Hack to the basic” es la que marcará un punto de inflexión en 2021 sin lugar a dudas.

REON: Así será todo el año. Como parece que el confinamiento continuará, la sociedad moderna adoptará esto como su nueva forma básica de vivir. Pero no podemos quedarnos así para siempre. Nos abriremos paso y pasaremos a la siguiente etapa (forma de vida). Tenemos que volver a lo fundamental (Back to the basic) para encontrar nuestra verdadera esencia y construir nuevas bases. Esa es la forma en la que CHOKE está viviendo ahora.

Escucha “Hack to the basic” en plataformas digitales: https://linkco.re/AvAAm3pE?lang=en

CHOKE – Hack to the basic

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01. Hack to the basic

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01. Hack to the basic
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– Hi-res WAV audio files (24-bit/96kHz)
–  MP3, FLAC, and AIFF audio files
– Lyrics sheet (jpg)

Acerca de CHOKE

CHOKE es una banda emergente de nu-metal/visual kei de Japón. Comenzaron con el objetivo de crear un sonido único mezclando rap metal con djent. Su música experimental, sin embargo, no se limita a un solo género y ha evolucionado desde su formación en 2017. La banda ha incorporado a su sonido influencias del hard-core, trap-core, metalcore, thrash y groove metal. Al mismo tiempo, también incorporan elementos electrónicos, sinfónicos o progresivos. CHOKE ofrece una mezcla disonante peculiar de música pesada con ritmos de hip hop.

Sus estruendosas canciones presentan instrumentos con afinaciones graves, breakdowns intensos, riffs distorsionados con licks de guitarra rápidos, líneas de bajo que vibran estruendosamente incluyendo una batería con punch. La voz de rango dinámico combina un rap claro con guturales y gritos penetrantes. Sus letras provocativas y hostiles expresan regularmente una crítica social y el rechazo de los dogmas. ¡CHOKE encenderá una llama en los oyentes para que éstos expresen sus opiniones y destrocen el mundo!

Sitios Oficiales

Sitio web: http://choke.tokyo
YouTube: https://www.youtube.com/channel/UCrDOWcdZEzCe_2dOExp67cg
Facebook: https://www.facebook.com/choke.tokyo
Twitter: https://twitter.com/CHOKEofficialEN
Instagram: https://www.instagram.com/choke.tokyo
Spotify: https://spoti.fi/3nB4onR
Apple Music: https://apple.co/3i6Nw7e

Alineación

REON – Vocalista
KVYA NONO – Guitarra
B5 – Bajo
Toshiya Sato – Batería (soporte)

CHOKE Tienda en línea (internacional)

• choke-world.stores.jp

Kakeru, vocalista de Scarlet Valse, tiene un mensaje que desea transmitir al mundo desde su posición como músico. Esta entrevista será dividida en tres partes. En esta primera fracción, Kakeru nos da una apasionada charla acerca de “ser músico”.

Hemos creado esta oportunidad para que puedas dar ese mensaje que, como músico, quieres expresar tan fervientemente en este momento.

Kakeru: Muchas gracias. Debido al desastre ocasionado por el COVID-19, nuestras opciones como músicos se han reducido y al mismo tiempo nos hemos visto forzados a buscar otras alternativas. Actualmente en Scarlet Valse, nos la pasamos pensando “pese a la pandemia ¿qué es lo que podemos hacer?”, con esa convicción y mentalidad es que hemos estado intentando diferentes actividades. Pasa lo mismo con otros músicos. Lo primero que quiero expresar es “nosotros, como músicos, no dejaremos que algo como el coronavirus pare nuestras actividades. No nos daremos por vencidos”.

Hoy en día, mucha gente tiene opiniones encontradas respecto a la realización de eventos musicales. Pero para nosotros los músicos, es nuestra profesión y vivimos de ello; por esa razón no nos rendiremos ante el juicio de otros. Y quiero pedirles a otros compañeros músicos que tampoco se dejen derrotar.

¿Tienes conocidos que hayan dejado sus actividades musicales a causa del coronavirus?

Kakeru: Hay gente que ha reducido sus actividades y hay personas que las han dejado por completo. También hay otros, como los políticos o medios de comunicación, que solo hablan sin entender la condición en la que nos encontramos. Sin embargo, seguramente debe haber algún tipo de música que les agrade y se sientan animados por esta. Creo que no hay ninguna persona que no haya sido influenciada positivamente por la música de alguna banda o idol que les guste. El poder de la música brinda alivio en los momentos difíciles. Esa es la razón por la cual pienso que no debemos cesar nuestras actividades.

Por el momento, tal vez nuestro poder de brindar aliento y consuelo como Scarlet Valse sea pequeño. No obstante, me gustaría hacer de su conocimiento a todos aquellos que estén leyendo esta entrevista que, a través de nuestra música y acciones, queremos incitarlos a “no rendirse”.

Kakeru, tú sigues trabajando de diversas formas.

Kakeru: Ciertamente, estoy trabajando de la manera que ha probado funcionar hasta el momento y sigo buscando nuevas opciones para llevar a cabo mis actividades musicales con Scarlet Valse e individuales. Hay muchas personas que quieren ir a conciertos, pero no les es posible por diversos motivos; de modo que los músicos estamos ideando formas de poder llegar a ellos y brindarles ánimo a distancia. Quiero seguir así, ya que existe gente que se alegra tras sentirse conectados con nosotros a través de las transmisiones en línea, aunque no sea un concierto como tal.

Kakeru, ya llevas varios años realizando transmisiones por medio de TwitCasting. Esa es una de las tantas formas en la que te mantienes conectado con el público.

Kakeru: Así es. Al principio estaban enfocadas a darnos a conocer, pero después de la gira por las 47 prefecturas japonesas, quise seguir conectado con la gente que nos vio por primera vez y se volvieron fans. Aunque fuese solo a través de voz, busqué estar en contacto con ellos. Tras la declaración de emergencia en Japón el año pasado, tomé conciencia otra vez de la importancia de “estar conectado con otros” y ahora cambié el formato de la transmisión para crear una atmósfera de “intimidad en un bar”.

¿A qué te refieres con “intimidad en un bar”?

Kakeru: Desde hace mucho uso una guitarra para componer. Pero en las transmisiones que realizo en TwitCasting, puedes encontrarte con un Kakeru que toca la guitarra acústica mientras canta. A veces tomo complacencias y hablo respecto a diversos temas. En ese tipo de atmósfera es que realizo mis directos actualmente. Para serte franco, todavía no domino la guitarra acústica, por lo que es común que tenga errores. Sin embargo, quiero mostrar mi yo real, incluyendo mis fallas. Si la gente ve lo mucho que me estoy esforzando, ellos también se motivarán a dar lo mejor de sí. De esta manera, he tenido transmisiones por más de 1200 días y contando.

Kakeru, tienes la firme convicción de no parar actividades pase lo que pase.

Kakeru: Vivo como músico y si paro actividades entonces dejaría de ser un músico. Se trata de continuar, no de cesar. Incluso si no es en la forma de conciertos.

Con la declaración del estado de emergencia el año pasado, de repente vino a mi memoria el gran terremoto de Japón en 2011 y la situación en la que tampoco era posible realizar conciertos. En aquel entonces, los negocios se vieron restringidos, por lo que los espectáculos fueron cancelados uno tras otro. Pese a ello, hubo algunos recintos que siguieron funcionando aún en tales condiciones. Varios lugares operaron usando solo la electricidad meramente necesaria debido a los problemas con la energía eléctrica. Mucha gente buscó refugio en la música para aliviar su angustia generada por este desastre. Me di cuenta de que con tan solo tener un lugar donde actuar, incluso con una luz tenue y un sonido muy rudimentario, podía cantar para todos aquellos que “buscaran olvidar su ansiedad”. Todavía creo que es lo correcto. Cuando ese sentimiento volvió a mí, entendí que “sin importar las circunstancias, no debo parar mis actividades”. Así que he continuado con la mentalidad de “hacer lo que se pueda hacer, aunque no sean presentaciones en vivo”. 

Ya que vives de ser un artista, no queda más que preguntarse “bueno, ¿qué es lo que puedo hacer?”

Kakeru: Estás en lo cierto. Hay bandas que se retiran porque no logran atraer personas o entran en problemas financieros, entendemos muy bien esa situación porque la hemos vivido. No obstante, el dinero no es nuestro objetivo. Lo que nos mantiene vivos es la música, ¿qué pasa con personas como nosotros si dejan la música? Somos músicos, pero no tenemos que hacer únicamente conciertos. Mientras haya gente que disfrute lo que sea que estemos haciendo, ¿acaso eso no es rock? Ese es el motivo por el cual me mantengo activo y realizo transmisiones a diario para poder decirle a la gente “Yo estoy bien, ¿cómo están ustedes?”.

En la segunda parte, Kakeru nos habla de “la situación actual de las presentaciones en vivo de Scarlet Valse”.

Scarlet Valse resumió pronto sus conciertos presenciales tras el levantamiento del estado de emergencia en Japón del año pasado, ¿cierto?

Kakeru: Tan pronto como se declaró que ya era posible realizar conciertos presenciales, Scarlet Valse inmediatamente quiso retomarlos; sin importar todos los lineamientos necesarios con tal de poder llevarlos a cabo. De manera individual, también regresé a trabajar con Kakeru JAPAN (mi banda de sesión).

Es una situación complicada, porque no puedes tener el mismo ambiente ni atraer el mismo número de asistentes como solía ser antes de la pandemia, ¿no es así? 

Kakeru: Es un hecho. Antes de la pandemia solíamos tener 10 conciertos al mes y además hacíamos giras por todo el país, lo cual ya no es posible. En este año, solo tuve 4 conciertos con Scarlet Valse y 1 con Kakeru JAPAN. A partir de marzo, tenemos planeado realizar 7-8 conciertos al mes, por lo que estaríamos regresando al mismo ritmo que teníamos antes del COVID-19. Claro está que tendremos que adaptarnos a las circunstancias del momento. Dado que nuestra gira por las 47 prefecturas japonesas se tuvo que interrumpir el año pasado, realmente nos gustaría poder reprogramarla. Como un primer paso, estaremos yendo solo a las ciudades grandes. Para abril tenemos agendado un tour en conjunto con la banda de Nagoya NETH PRIERE CAIN (perteneciente a la disquera Double River Record).

Honestamente, estamos conscientes que será complicado obtener ganancias, porque todos los recintos del país están operando a una capacidad reducida. Nos ganamos la vida como músicos, por lo tanto, también es importante para nosotros obtener un ingreso. Pese a esto, le estamos dando prioridad a nuestros sentimientos. Si existe tan solo una o un par de personas que quieran ver a Scarlet Valse en algún lugar, queremos hacer todo lo posible por ir allá. Nos gustaría que todas aquellas personas que conocemos cuando estamos de gira por las 47 prefecturas de Japón se alegren porque “Scarlet Valse es una banda que viene a nuestra ciudad”. Por el momento es difícil ir a todas las 47 prefecturas, pero haremos nuestro mejor esfuerzo para ir a cada una cuando la situación lo permita.

En este año, Scarlet Valse ha estado retomando su ritmo habitual de actividades.

Kakeru: Estamos haciendo todo lo posible. Aunque con el estado de emergencia dictado este año, las salas de concierto únicamente tienen permitido operar hasta las 20:00 hrs y, dependiendo de las circunstancias recientes, también se implementan nuevos lineamientos. Esto ha hecho que tengamos que realizar anuncios y cambios de último momento frecuentemente. Aun con esto, seguiremos trabajando para poder restablecer la industria. Tengo fe en que así será.

Así que lo más importante es no dejar de trabajar.

Kakeru: Para nosotros como músicos, así es. Si hablamos de conciertos presenciales, lo cierto es que no todos pueden asistir; pero todos pueden disfrutar de los lanzamientos. Desde el año pasado, Scarlet Valse ha estado realizando música constantemente, aunque solo han sido lanzamientos limitados a la tienda online y no han tenido distribución en tiendas. Además de eso, también tenemos las transmisiones. Lo importante es como usamos todas estas herramientas a nuestro favor.

Aunque los directos vía TwitCasting, lanzamientos, presentaciones online y las recientes grabaciones de conciertos subidos a ciertas plataformas ya se han vuelto algo cotidiano, tener estas actividades constantemente sin duda brinda un poco de alegría a todos aquellos que buscan un poco de sosiego en su vida diaria.

Kakeru: Ante todo, no quiero que la gente se sienta sola. El número de eventos ha ido en descenso, por lo que es comprensible que las actividades en vivo sean escasas. Pero si no tomamos ningún tipo de iniciativa, tampoco obtendremos algo. Al ponernos en acción, también inspiramos a otros a hacerlo. Nuestra disquera Starwave Records también piensa de esa manera. La disquera es muy proactiva y nos hace propuestas, de la misma manera escucha con atención la opinión de nosotros como banda y así establecemos un plan. Si ninguna de las partes plantea algo, entonces no se puede avanzar. Me parece que ese es el reto al que los músicos deben enfrentarse.

En esta tercera parte, Kakeru expresa sus pensamientos respecto “al futuro de Scarlet Valse” a aquellos que no se están rindiendo.

Scarlet Valse ha estado lanzando presentaciones pregrabadas, disponibles solo por 24 horas cada viernes a las 20hrs (JST). Y además han estado probando otro tipo de dinámicas, ¿cierto?

Kakeru: En efecto, así lo hemos estado haciendo. Estos videos disponibles solo por 24 horas surgieron ante la cancelación de nuestro concierto oneman después de la declaración de estado de emergencia. Ya que muchas personas esperaban verlo y el personal del lugar implementa rigurosamente todas las medidas sanitarias necesarias; se decidió realizarlo no como un concierto en streaming, sino como una grabación sin asistentes y liberarlo gratuitamente de manera periódica. Iniciamos este tipo de entrega como una nueva forma de comunicarnos y de estar en contacto con los fans. Scarlet Valse seguirá estando al día con las tendencias y probando nuevas alternativas.

Kakeru, tal como lo has expresado una y otra vez, “no pararás”.

Kakeru: Efectivamente, ni Scarlet Valse ni yo tenemos intenciones de parar. No puedo imaginarme ser músico sin tener algún tipo de actividad relacionada con la música. En este momento, me es imposible verme sin hacer algún tipo de expresión musical. Ante todo, quiero continuar como músico. Si dejo de serlo, dejaría de ser yo mismo…

Sigues en búsqueda de nuevas opciones de lo que se puede hacer bajo estas circunstancias y has puesto las manos a la obra.

Kakeru: Ciertamente. Sé bien que las salas de concierto lo están pasando mal, así que también he pensado en cómo poder ayudarles porque, personalmente, he recibido mucha ayuda de estas, especialmente del dueño de una en Kashiwa. De mi parte, sigo programando eventos esperando que sea un poco de ayuda para reactivar estos lugares. 

En cuanto a los conciertos en línea, difundo los enlaces con mis conocidos de las salas de concierto y compañeros de otras bandas para que así también puedan verlos. En el caso de Scarlet Valse, realizamos tanto transmisiones gratuitas como de pago. No queremos que los fans se sientan solos cuando no podemos tener presentaciones con asistentes, de manera que nos estamos esforzando mucho con este tipo de actividades para animar a aquellos que nos ven a la distancia.

El festival del onceavo aniversario de la disquera Starwave Records, Starwave Fest Vol.23, se llevó a cabo el 18 de febrero con asistentes y también tuvo distribución online.

Kakeru: El Starwave Fest nunca se había trasmitido de manera online, así que 70. de XANVALA y yo le pedimos al director de la disquera hacer una transmisión en vivo. Por este motivo, se optó por realizarlo en el Takadanobaba CLUB PHASE, ya que cuenta con un sistema de streaming muy estable. Aunque en esta ocasión fue una emisión de paga, poder tener un mayor alcance a través del streaming es muy beneficioso para la promoción de todas las bandas afiliadas al sello.

Estoy esperando con ansias lo que Scarlet Valse hará de ahora en adelante.

Kakeru: Más que reanudar la gira de las 47 prefecturas japonesas, interrumpida por el coronavirus, realmente queremos poder realizarla otra vez desde el principio. Pero aún más importante, nos gustaría poder llevar a cabo nuestra presentación en el TSUTAYA O-WEST, la cual también se vio pospuesta. Todavía no podemos anunciar una fecha en concreto, pero tenemos una ferviente ambición de hacer ambos. Esperamos poder darles buenas noticias poco a poco en un futuro no muy lejano.

Sin embargo, la tranquilidad y seguridad de los asistentes es nuestra máxima prioridad. Asimismo, tenemos que examinar las condiciones de los recintos. Se debe tomar en consideración todos estos detalles y el tener que irse adaptando constantemente a las nuevas condiciones dificulta todo, así que no podemos prometer nada. Pero sin duda, Scarlet Valse seguirá trabajando para poder darle vitalidad al público. Cuando la situación lo permita, me gustaría poder tener una reunión con mis compañeros de otras bandas y demás personal involucrado para simplemente poder reírnos todos. También sería increíble viajar a Hakone y poder charlar casualmente con los fans en las aguas termales. Aún no sé cuando podrá hacerse realidad, pero amigos, se los haré saber en cuanto sea posible (risas).

Acerca de Scarlet Valse

Scarlet Valse es una banda japonesa de visual kei y power metal sinfónico. Su sonido pesado pero estimulante presenta ritmos rápidos, potentes y veloces solos de guitarra con arreglos melódicos; así como letras alentadoras o temáticas románticas. Con un fuerte sentido de elegancia, los miembros logran llevar looks impresionantes. ¡Las canciones energéticas y su presencia salvaje en el escenario hacen de sus conciertos una experiencia emocionante!

Sitios Oficiales

Sitio web: http://scarletvalse.com
Twitter: https://twitter.com/ScarletValse
YouTube: https://www.youtube.com/playlist?list=PLhMnm8yysV5dVCG3rVNODt1b4CUXUju2p
Spotify: https://spoti.fi/3jt9cLx
Apple Music: https://apple.co/36MICbl

Alineación

Kakeru – Vocal
You. – Guitarra
Rin – Guitarra
Shian – Bajo
Yo-hey – Batería

Disquera: Starwave Records

Compra CDs y mercancía de Scarlet Valse

• Starwave Records Online Shop Para envíos internacionales (inglés): info@starwaverecords.jp
• CD Japan

Esta entrevista fue publicada originalmente por Nagasawa Tomonori en club Zy. Channel. Este artículo es reproducido con autorización de su autor y fue proporcionado por el artista. La traducción al español fue realizada por Royal Stage.

El primer sencillo digital de CHOKE, “No problem at all”, lanzado en junio, cruzó fronteras y recibió un gran apoyo de parte de fans de la música pesada y del metal alrededor del mundo. Con su composición en constante cambio, impredecible e incomparable a cualquier otra; junto con su oportuna letra en la que se plasma, de una manera sarcástica, el sentimiento de desesperanza inspirada ante la crisis del coronavirus; esta canción resonó en mucha gente que se encuentra resentida con el cambio que ha experimentado su vida cotidiana. Ésta ha ganado un gran reconocimiento tanto en su nativo Japón como fuera del país. Para CHOKE, una banda que ridiculiza a la sociedad japonesa actual, esto puede verse como una feliz ironía. Visto desde otra perspectiva, la naturaleza de los japoneses a temer y evitar cualquier amenaza inesperada o impredecible puede que esté ya demasiada arraigada, así que tal vez se necesite algo de tiempo para adoptar un nuevo estándar.  

El 11 de septiembre fue lanzado “The Human Anthem”, el segundo sencillo digital por parte de CHOKE. Éste se encuentra disponible para su compra en formato descargable en la tienda oficial de CHOKE, el cual incluye el tema extra “Amyotrophic”. Nos hemos sentado con CHOKE para platicar de este nuevo trabajo.

Al ver esas historias en las noticias, tras conocer el contexto de éstas, me hace pesar ¿qué es exactamente la justicia?

No ha pasado mucho desde que se lanzó su primer sencillo digital “No problema at all”, y ahora se encuentran presentando el segundo “The Human Anthem”.

KVYA NONO: Acordamos que para este año aceleraríamos nuestro ritmo para lanzar canciones y, teniendo encima la situación del coronavirus, nos fue posible sacar estos dos sencillos con tan solo tres meses de diferencia.

¿“The Human Anthem” sigue la misma temática de “No problema at all”?

KYVA NONO: Si bien incorpora un tipo de arreglo sinfónico similar al usado en “No problem at all”; lo cierto es que, desde la última mitad del año pasado, ya habíamos estado pensado en cómo lograr un estilo pegadizo que sea muy particular de CHOKE. Esa idea se vio plasmada en “The Human Anthem”.

REON: El aspecto más único en “The Human Anthem” es la parte del coro en la primera mitad. No tiene ninguna frase o algo similar, es solo una línea de “guau, guau, guau” que se puede cantar a la par. Hicimos que sonara como un coro y, a la vez, eso le dio un toque pegadizo, lo cual fue un nuevo recurso que le añadió un gran impacto. Creo que es uno de los pasos más grande en la evolución/crecimiento de CHOKE hasta la fecha.

Esa parte impresiona mucho, ¿cierto?

REON: Muchas voces al unísono es algo muy significativo. Por ejemplo, multitudes se reúnen por una causa común y expresan un mismo mensaje con sus voces en las concentraciones y protestas. Reunirse entre varios y hablar con una voz colectiva es un comportamiento único de los humanos. Así que un coro es lo mismo en el sentido de que es algo en el que una multitud canta lo mismo con un objetivo en común. De hecho, mi idea era crear la composición de esta canción de una forma que ratificara algunas de las características únicas de los humanos, de esta manera llegaron a mi mente las palabras “himno humano”. Es así que decidí que ese concepto fuera el punto a enfatizar del mensaje de esta canción, lo nos lleva al coro en conjunto que mencione antes.

¿Así que el concepto de un “himno humano” es el tema de la letra?

REON: Incluso algo tan pequeño como una hormiga ocasionalmente puede hacerle frente a un oponente mucho más grande como un humano, aún si no tiene ninguna oportunidad contra éste por si solo. Me pregunte si realmente se le puede llamar a eso valentía. Alguien más mencionó que la verdadera valentía no radicaba en actuar de manera temeraria, sino en conocer tus debilidades. Todos tenemos nuestra propia noción de justicia, voluntad y manera de pensar. Pero en algunas ocasiones, cuando el mundo presta atención a ese tipo de pensamiento, lo llama “malvado”. No importa lo que la gente haga, al final es etiquetado como un mal comportamiento, pero no es como si ellos fueran por la vida pensando “oye, hagamos algo malo”. Solo están tratando de conseguir un beneficio en común o una meta y la sociedad termina denominando sus acciones como “malas”. Básicamente, la gente que lleva a cabo estas acciones lo hace bajo el estandarte de lo que ellos consideran justicia. Claro, la sociedad puede considerar sus actos como “malos”, pero también habrá otros que juzgaran sus acciones basados en otros criterios. Sin tener que considerar las bases de lo que es bueno o malo, si tener ese tipo de convicción es lo que hace a los humanos lo que son, entonces quiero elogiar a todos aquellos que poseen una voluntad y manera de pensar como esa.

Eso es adentrarse a las profundidades de la psicología humana.

REON: Aunque opacadas por todas las noticias sensacionalistas que vemos recientemente, también hay muchas historias acerca de personas que han cometido crímenes atroces y asesinatos terribles. Dentro de estos asesinos, existen algunos que han estado cuidado de alguien pero que ya no pueden seguir con esa situación, por lo que terminan matando a la persona a su cuidado. No hay duda que igual es un crimen, pero también hay bastantes casos donde se está cuidando a un padre que ya ni siquiera es consciente de sí mismo, así que todo el tiempo y esfuerzo que dedican a cuidarlo causa mucha angustia mental y afecta de manera importante su estilo de vida, por lo que deciden simplemente ponerle un fin. Estas personas tienen sus propias ideas egoístas de lo que es la justicia cuando se refiere a dar cuidados, pero también hay asesinos que fueron a asilos de ancianos simplemente a matar indiscriminadamente. También hubo un caso hace poco donde alguien que fue diagnosticado con ELA (Esclerosis Lateral Amiotrófica) decidió que, si ya veía su cuerpo deteriorado a tal punto que requiriera cuidados constantes, entonces se quitaría la vida. Sin embargo, su cuerpo ya no fue capaz de realizar esta acción, por lo que le pidió a su cuidador que lo matara como un favor. Al ver esas historias en las noticias, tras conocer el contexto de éstas, me hace pesar “¿qué es exactamente la justicia?”. Quise escribir la letra de esta canción enfocándome en profundizar en la psicología de gente como esa. Cosas así suceden porque, para bien o para mal, son humanos. Con “The Human Anthem”, quise darles reconocimiento a los humanos por lo que son, incluyendo sus debilidades. Y el cinismo tan característico de CHOKE fue lo que llevó a tener el título de “el himno humano” y no algo como “glorificación humana”.*

*CHOKE está haciendo un juego de palabras con la lectura de los kanjis. El título japonés es “Ningen sanka” (himno humano). La palabra “sanka” significa “himno”, pero han intercambiado un carácter para que mantenga la misma lectura, pero dándole el significado de “canción trágica/miserable”.

“The Human Anthem” expresa varios conflictos psicológicos, aunque al final también arroja una luz hacia el futuro. REON, ¿es así como esperabas guiar a los escuchas?

REON: Juana de Arco dirigió a muchos soldados bajo un gran estandarte y tomó la delantera para combatir al enemigo. Una parte de mí admira ese lado, pero quise inclinarme hacia la posición de los soldados y el sonido de muchos de ellos alzando su voz al unísono. Un individuo es pequeño por su cuenta, pero quise enfocarme en las voces de una multitud gritando y expresando sus sentimientos en una gran voluntad colectiva. En esencia, si todos levantáramos nuestras voces, cualquiera podría abrirse camino hacia el futuro al manifestar su voluntad y manteniéndola en alto.

B5: La gente usualmente se entiende con otros a través de la comunicación y pueden acercarse entre sí de esta manera. A eso le llamamos comunicación entre humanos. Pero hay aspectos de otras personas que tal vez nunca logres comprender. Nuestro punto es que no es correcto rechazarlos solo porque no los entiendes. Es importante reconocer que las cosas que no entiendes no son automáticamente “malas”, sino aceptar que también existen personas e ideas diferentes y es mejor estar abiertos al debate. 

Siento que el estilo único de CHOKE ha alcanzado una nueva etapa de crecimiento con “The Human Anthem”

¿Qué imagen tenías en mente cuando compusiste “The Human Anthem”?

KVYA NONO: El primer coro emplea acordes disminuidos para crear una disonancia pesada. Además, inicia con el ritmo de dos golpes más rápido que ha hecho CHOKE y le siguen algunos elementos sinfónicos con voces tipo coro, lo que da un toque atractivo muy particular de CHOKE. Eso le otorgó nuestro sabor único de una manera no convencional, que era lo que estaba buscando. Crear algo que sea pegadizo, incluso sin melodía o letra, mientras sea cambia de un estilo musical a otro es uno de los rasgos que más se distingue a una canción de CHOKE. En consecuencia, siento que el estilo único de CHOKE ha alcanzado una nueva etapa de crecimiento con “The Human Anthem”.

Tal como lo mencionaste, “The Human Anthem” es una canción rápida.

KVYA NONO: Es un nivel de velocidad muy exagerado. Insertar muchos puntos de quiebre a lo largo de la composición es algo que ya es normal para nosotros, aunque esto no es algo común en la música popular. Adicionalmente, incluí algunas ideas de B5 y Toshiya Sato en esta ocasión; ambos realmente se esforzaron en llevar a cabo su interpretación de una manera que estuviera acorde con la progresión de la composición.

Toshiya Sato:  El ritmo caótico de dos beats al inicio es un enfoque propio del metalcore que ha surgido en los últimos años. Una vez que se detiene la parte de los golpes dobles de alta velocidad, entra la parte del rap de REON y entonces los instrumentos continúan con el ritmo. A partir de ese punto, toqué la batería de modo que resaltara de la mejor manera la expresión de cada bloque; por ejemplo, al intercalar algunos platillos para darle una sensación más sólida, etc. Creo que tener diferentes idiosincrasias es lo que hace a “The Human Anthem” lo que es y, de la misma manera, lo que hace a CHOKE. Mi posición aquí es la de músico de soporte, pero me gustaría poder seguir tocando con el mismo entusiasmo de ellos. Cuando hicimos y lanzamos “No problem at all”, hicimos todo lo que pudimos para poder acercarnos a la cosmovisión que CHOKE había construido hasta ese momento; eso nos permitió poder entregar nuestro mensaje con “The Human Anthem” y darle ese nuevo color al CHOKE actual. Pienso que fue genial que el resultado haya sido la incorporación de una nueva esencia a la banda.

B5: Toshiya Sato y yo quisimos agregar nuestra propia esencia a la canción también. KVYA NONO hizo un gran trabajo al absorber todo esto y poder integrarlo.

¿Así que también intentaste ver que tanto atractivo se le podía dar a “The Human Anthem”?

KVYA NONO: Ese fue el desafío que me di a mí mismo. Con CHOKE, no quiero caer en la práctica común de poner alguna letra sin significado y llamar a eso pegadizo. No hay muchas canciones que, sin tener una melodía establecida, se consideren así. En CHOKE, siempre hemos pensado en como conseguir que una canción sea atractiva; pensamos que una forma de lograrlo sería poniendo énfasis en la combinación de un coro con elementos sinfónicos, tal como fue hecho en “The Human Anthem”. Utilizamos algunos elementos sinfónicos en “No problema at all” también. Dependiendo de cómo los usemos, se han convertido en uno de los atributos distintivos de CHOKE; por lo que intentamos hacer lo mismo de nuevo con esta canción.

Las personas más peligrosas no son aquellas con un comportamiento o apariencia excéntrica, sino aquellas que pasan desapercibidas en nuestra vida diaria

El video de “The Human Anthem” fue grabado en un hospital abandonado. Eso deja una fuerte impresión, ¿cierto?

KVYA NONO: El impacto que REON tuvo en el video de “No problem at all” fue muy fuerte para los espectadores, así que desde el inicio tuvimos la intención de hacer este video aún más intenso que el anterior. Dado a que el tema de letra se centra en la psicología humana, hicimos la grabación de este video en un hospital abandonado en donde se solían cuidar pacientes con enfermedades mentales. El toque grotesco fue producto de las influencias musicales de todos nosotros. Asimismo, quisimos transmitir el impacto de esta canción primeramente a través de su video.  

Todos los miembros lucen grotescos en el video musical de “The Human Anthem”. Algunos de ustedes hasta comen insectos y carne cruda.

Toshiya Sato: Esas tomas fueron muy difíciles de grabar.

REON: La locación de “No problema at all” tuvo lugar en una aldea abandonada y el de “The Human Anthem” fue grabado en un hospital abandonado. Creo que realmente arriesgamos nuestras vidas en ambos.

KVYA NONO: Puesto que nosotros grabamos y editamos nuestros videos, primero ideamos la historia. Pero los otros miembros dieron más ideas al momento de grabar, de modo que también las integramos en el camino.  Eso hizo que el metraje resultara muy interesante y nos dio un material más completo.

Para alguien que se tope con su video, ustedes pudieran parecer peligrosos. Aunque en realidad son personas muy tranquilas.

REON: Las personas más peligrosas no son aquellas con un comportamiento o apariencia excéntrica, sino aquellas que pasan desapercibidas en nuestra vida diaria. Cuando personas así tiene algún malentendido, se vuelven realmente peligrosas. En nuestro caso, nosotros solo estamos convirtiendo eso en conciertos y videos musicales.

REON, en tus conciertos y videos, a menudo sueles interpretar un personaje que puede ser visto como una amenaza.

REON: La mayor parte del tiempo soy una persona completamente común y corriente. Supongo que por eso me siento atraído al concepto de ser una persona peligrosa y por esa razón es que interpreto a alguien así en mis presentaciones.

Las emociones humanas son propensas a experimentar cambios violentos; son grotescas y caóticas. Tanto en la composición como en la letra, “The Human Anthem” está vinculado a esta representación de la mente humana

“The Human Anthem” está a la venta en formato descargable en la tienda en línea de CHOKE y va acompañado de una canción adicional “Amyotrophic”, que es más bien un tema depresivo.

KVYA NONO: Esta canción aprovecha las habilidades de Toshiya Sato para los blast beats, por lo que le impregna su toque único. Como resultado dio una canción desalentadora de estilo rapcore.

Parece que las letras de “The Human Anthem” y “Amyotrophic” en el fondo conllevan un tema en común.

REON: Primero que nada, deberían de buscar el significado de la palabra “Amyotrophic”. Una vez que conozcan el término, creo que verán cómo se entrelaza con los conceptos que mencione anteriormente. Tanto “The Human Anthem” como “Amyotrophic” expresan desesperanza. Pero “The Human Anthem” contiene un mensaje positivo al final, algo como “no importa lo que estés sintiendo, solo tienes que hacer lo necesario sin ningún remordimiento” e “intenta alzar tu voz aún más”. Sin embargo, en “Amyotrophic” solo hay desesperación y sufrimiento. No es necesario estar positivos todo el tiempo de una manera forzada. Las personas que le han prestado atención a CHOKE todo este tiempo entenderán que esta banda seguirá adelante y mientras vamos causando alboroto a nuestra manera, y con eso es suficiente.

Ciertamente en el caso de CHOKE, la verdadera esencia de tu trabajo no siempre queda clara con tan solo ver el video musical o escuchar la composición, sino que se hace más fácil de entender una vez que leíste la letra.

REON: Sí, es bastante rebuscado (risas).

B5: Las emociones humanas son propensas a experimentar cambios violentos; son grotescas y caóticas. Tanto en la composición como en la letra, “The Human Anthem” está vinculado a esta representación de la mente humana. No es una interpretación errónea, realmente quisimos glorificar los valores individuales los cuales nos hacen humanos. Aunque tampoco queremos mezclarlos con las personas que, ante los ojos de la ley, cometen crímenes horribles y causan tragedias. Pienso que, si la gente llega a entender esos detalles importantes, podría disfrutar aún más de la visión de CHOKE.

REON: Las circunstancias actuales aún no nos permiten realizar conciertos como lo haríamos normalmente y eso solo hace querer presentar aún más estas canciones en vivo a la gente tan pronto como sea posible.

CHOKE – The Human Anthem

01. Ningen sanka -The Human Anthem- [人間惨歌]
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Edición limitada:
01. Ningen sanka -The Human Anthem- [人間惨歌]
02. Amyotrophic
03. Ningen sanka -The Human Anthem- [人間惨歌] (Instrumental)
04. Amyotrophic (Instrumental)
– Archivos de audio WAV en alta calidad
– Archivos de audio MP3
– Transcripción de letras (jpg)
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CHOKE es una banda emergente de nu-metal/visual kei de Japón. Comenzaron con el objetivo de crear un sonido único mezclando rap metal con djent. Su música experimental, sin embargo, no se limita a un solo género y ha evolucionado desde su formación en 2017. CHOKE han incorporado a su sonido influencias del hard-core, trap-core, metalcore, thrash y groove metal. Al mismo tiempo, también incorporan elementos electrónicos, sinfónicos o progresivos. CHOKE ofrece una mezcla disonante peculiar de música pesada con ritmos de hip hop.

Sus estruendosas canciones presentan instrumentos con afinaciones graves, breakdowns intensos, riffs distorsionados con licks de guitarra rápidos, líneas de bajo que vibran estruendosamente incluyendo una batería con punch. La voz de rango dinámico combina un rap claro con guturales y gritos penetrantes. Sus letras provocativas y hostiles expresan regularmente una crítica social y el rechazo de los dogmas. ¡CHOKE encenderá una llama en los oyentes para que éstos expresen sus opiniones y destrocen el mundo!

CHOKE Tienda en línea (internacional)

• choke-world.stores.jp

FIXER es una banda de rock visual kei de Japón. Su música incorpora una base de rock con elementos de metal, hard core, loud y EDM, la cual se fusiona con la combinación de una voz limpia y gutural.

FIXER sigue trabajando en su ascenso en la escena musical y desean expandir cada vez más su música por el mundo.  Si aún no son fans de la banda, ¡no duden en checar su música! Por favor apoyen al artista comprando sus discos físicos o descargando sus canciones a través de sitios legales. Si quieres verlos en tu ciudad, ¡pídelos a las compañías productoras de eventos locales!

Primero que nada, ¿podrían presentarse para todos aquellos que aún no están familiarizados con la banda?

Jey: Soy Jey, el vocalista.
Yuhma: Soy Yuhma de FIXER. Mi parte en la banda es tocar la guitarra y mostrar los abdominales.

Aika: Soy Aika, el guitarrista de FIXER situado en el lado izquierdo del escenario (desde el punto de vista de la audiencia). Me encanta el pan.

70.: Soy el bajista de FIXER

 ¿Cuál es el concepto de la banda? ¿Cómo describirían el estilo musical de FIXER?

Jey: Básicamente creamos música que exponga los puntos débiles o las caras ocultas de las personas.

Yuhma: No existen imposibles para FIXER. Nuestro género musical, la producción de nuestros conciertos, todo es puesto a consideración para poder alcanzar la perfección y ser capaces de crear cosas innovadoras.

Aika: Aunque el concepto cambia un poco con cada lanzamiento, nuestro estilo musical constantemente presenta un sonido pesado al cual le añadimos una melodía pegadiza. También hay un gran sentimiento de dolor.

70.: En este momento estamos trabajando bajo el concepto de un árbitro que sostiene una balanza.

¿Hay algún otro artista del que tomen inspiración?

Jey: Kyo de DIR EN GREY.

Yuhma: hide de X JAPAN.

Aika: Si tuviera que elegir sólo a una persona, sería MIYAVI.

70.: J de LUNA SEA.

¿Podrían hablarnos acerca de su nuevo sencillo “argentum”?

Jey: Se trata del hecho de estar en contacto con mi propia razón de ser y tocar una parte profunda de un corazón débil que aparenta ser fuerte.

Yuhma: Es una canción con un nuevo elemento añadido, un componente que nunca había sido usado en FIXER hasta el momento. Por favor disfruten del sonido evolucionado de FIXER.

Aika: Aunque las canciones de FIXER suelen subir mucho de tono, en esta ocasión con “Argentum” decidimos no tener altibajos, desde el primer verso hasta al coro, para poder generar una melodía pegadiza y fácil de escuchar.

70.: La historia de “ARBITER” es acerca del negro y el plateado. La forma que toma la plata al derivarse de allí es el “Argentum”.

Los fans de FIXER son llamados “ERs”. ¿Cuál es el significado de este nombre?

Jey: FIX(ERs)

Yuhma: Son las diosas de FIXER.

Aika: Al usar una parte del nombre de la banda, hay una fuerte implicación que hemos incluido a los fans como parte de FIXER.

70.: FIXER→ERs. Son una parte de FIXER.

¿Con cuál artista les gustaría realizar una colaboración en el escenario?

Jey: ¡Slipknot!

Yuhma: ¡¡All That Remains!!

Aika: ¡¡Slipknot!!

70.: ¡¡Limp Bizkit!!

¿Cuál consideran que es su mejor cualidad? Y de manera contraria, ¿Qué les gustaría cambiar de ustedes mismos?

Jey: Obedezco a mis emociones. Esa también es la característica que me gustaría cambiar de mí.

Yuhma: No suelo mirar al pasado, por lo que no tengo remordimientos. Siempre doy lo mejor de mí con todas mis fuerzas.

Aika: Me parece que tengo un buen sentido de la melodía. Últimamente he tocado muchos solos de guitarra, así que me gustaría mejorar mi ejecución.

70.: Sigo mi intuición, lo cual es algo bueno y malo.

¿Tienen alguna anécdota divertida que les haya ocurrido durante algún concierto o al estar de gira?

Jey: Cuando volteé a ver a Yuhma y él se encontraba haciendo un baile muy raro durante una presentación.

Yuhma: Alguna vez a Jey se le rompieron sus pantalones en un concierto.

Aika: El mecanismo de una ventana de nuestra camioneta de carga no funcionaba, así que no podíamos cerrarla. Tuvimos que taparla con cosas como cinta adhesiva. Ahora se ha convertido en un buen recuerdo.

70.: Lo único que Aika come es pan.

¿Qué opinan de la escena Visual Kei actual si la comparamos con la de los años 80’s o 90’s?

Jey: Me gustan ambas; aunque me parece que, al volverse tan extensa, el término Visual Kei se está perdiendo al usarse tan indiscriminadamente.

Yuhma: Se ha convertido en una escena con un amplio rango de expresión, donde una gran diversidad de géneros pueden ser ejecutados libremente. Pienso que es algo bueno.

Aika: Tengo la impresión que los idols se han hecho más fuertes. Sin embargo, la calidad de toda la escena VK parece estar subiendo.

70.: Actualmente, la calidad de las canciones es muy buena gracias al avance tecnológico en el proceso de grabación. Sin embargo; en los días en los que no había muchos recursos tecnológicos, existía un sentimiento de “¿cómo podré expresarme estando tan limitado?”, esa hambre tan desesperada de poder realizar algo no puede ser copiada en el presente.

¿Están conscientes que tienen fans en lugares lejanos como Norteamérica, América Latina y Europa? Si tuvieran la oportunidad de realizar un concierto en alguno de estos lugares, ¿qué aspecto característico de FIXER les gustaría mostrarle a sus fans?

Jey: Quiero golpear sus emociones. Me gustaría que experimenten a ese FIXER que sólo se podrá sentir ese día en ese lugar.

Yuhma: Estoy feliz de ver que los fans internacionales están aumentando. Algún día iremos al extranjero para realizar algún concierto, por favor esperen por nosotros.

Aika: Veo la presencia de los fans internacionales en Twitter y tiendas de discos. Me haría muy feliz ver que cada vez más haya más personas extranjeras en nuestros conciertos. No juzguen por las apariencias, quisiera que experimenten en carne propia nuestras presentaciones.

70.: Quiero conocer a todos los ERs del extranjero, quienes siempre me envían cálidos mensajes a través de Twitter. Me gustaría darles un concierto que rompa con las barreras del idioma.

Para finalizar, ¿podrían mandar un mensaje para todos sus fans extranjeros?

Jey: Amor

Yuhma: Gracias. Me estoy esforzando para hacerlos sonreír, por favor sigan apoyándonos.

Aika: Si tenemos la oportunidad de presentarnos en el extranjero, ese día convirtámonos en uno, ER’s y FIXER.

70.: Por favor esperen por nosotros.

SITIOS OFICIALES 
fixer-net.com | starwaverecords.jp ‏

Información para booking y prensa (México)
Royal Stage
royalstage.info@gmail.com

Mikansei Alice es una banda japonesa de rock visual kei, la cual debutó apenas el año pasado. Aunque tienen menos de un año de trayectoria, sus integrantes son caras ya conocidas en la escena. Tras la disolución de sus respectivas bandas en 2017, el vocalista 琉火-lyubi- (antes conocido como Rui, ex-miembro de Misaruka) y el guitarrista 唯依葉-yuiha- (ex-miembro de la banda Synk;yet) decidieron emprender juntos una unidad musical y así poder continuar con su vida como músicos. Pese a que al inicio se presentaron como un dúo, al poco tiempo añadieron al guitarrista 晏-an- (ex-miembro de soporte de Syn;yet) y finalmente decidieron reclutar al bajista 栞-shiori- (ex-Synk;yet) y al baterista 和希-kazuki- (antes conocido como Vetchie, ex-Misaruka).

Su primer lanzamiento fue el sencillo doble “Iine/2jigen lovers”, el cual salió a la venta el 13 de septiembre de 2017 e iniciaron actividades formalmente  el 24 de septiembre en su primer concierto en Tokio.  En diciembre ponen a la venta el sencillo limitado 2 “Anata no omocha” y en enero de 2018 el sencillo limitado “Kabukicho Midnight”. El pasado 14 de marzo lanzaron su segundo sencillo titulado “Izonshou Puzzle”.

¡Mikansei Alice definitivamente está listo para dominar la escena con su música llena de energía y sus increíblemente emocionantes presentaciones en vivo! Si aún no son fans de Mikansei Alice, ¡no duden en checar su música! Por favor apoyen al artista comprando sus discos físicos o descargando sus canciones a través de sitios legales. Si quieres verlos en tu ciudad, ¡pídelos a las compañías productoras de eventos locales!

Primero que nada, ¿podrían presentarse para todos aquellos que aún no están familiarizados con la banda?

琉火-lyubi-：Soy el vocalista Lyubi ¡Soy el tipo de chico que quiere ser número uno en todo!

唯依葉-yuiha-：Soy el guitarrista líder Yuiha. Encantado de conocerlos.

晏-an-：¡Soy An, el guitarrista del lado derecho del escenario! (lado izquierdo visto desde la audiencia).  Me encargo de la parte emocional de la banda.

和希-kazuki-：Soy el baterista Kazuki. ¡Pese al hecho de que no soy muy alto, toco la batería enérgicamente! También estoy a cargo de la composición.

¿Cuál es el significado detrás de “Mikansei Alice? ¿Cuál es el concepto actual de la banda?

琉火-lyubi-：El concepto de la banda es “la condición mental de una chica incompleta”. El concepto está directamente vinculado al significado del nombre de la banda.

和希-kazuki-：Describimos a través de nuestras composiciones la inestabilidad mental de aquellas personas que no se sienten completas.

¿Podrían describir cómo es la música de Mikansei Alice?

琉火-lyubi-：Canciones con guitarras que te envician al escucharlas.

和希-kazuki-：Tomando en cuenta la emoción que se genera en los conciertos, ¡diría que nuestra música tiene muchos sonidos estimulantes!

¿Han tomado inspiración de algún otro artista al momento de componer sus canciones? ¿Han vertido experiencias personales en las letras de sus canciones?

琉火-lyubi-：Sí, a veces. El artista por quien me siento influenciado es Picasso.

晏-an-：Pienso que mis composiciones son fruto de toda la música que he escuchado hasta ahora, por lo que ciertamente he sido influenciado por muchos artistas.

和希-kazuki-：Hay varios artistas que me influencian. Uso esa inspiración para crear algo aún mejor, haciéndolo a mí manera.

¿Podrían hablarnos acerca de su reciente sencillo “Izonshou Puzzle”?

琉火-lyubi-：En esta ocasión los temas son la dependencia y los rompecabezas. Pienso que ambas palabras encajan con el concepto de una “chica incompleta”, esa es la razón por la que estamos desarrollando esta idea en este lanzamiento.

唯依葉-yuiha-：Aunque el sonido de “Izonshou Puzzle” parece simple, ¡en realidad creo que no puedes tocar el fraseo de guitarra correctamente en vivo si no lo prácticas todos los días! Aun así, me parece que es un fraseo genial; si hay alguien de ustedes que toque la guitarra, ¡me gustaría desafiarlos a que lo intenten! (risas).

Respecto al vestuario y maquillaje, pudimos hacer lo que nosotros quisimos, ¡así que pienso que nuestro look quedó genial al 100%!

和希-kazuki-：Estos trajes con diseños de rompecabezas son muy atractivos a la vista, divertidos e inusuales. Este lanzamiento tiene un sonido adictivo de rock pesado.

¿Qué tipo de banda quisieran ser en el futuro? ¿Ya han decidido alguna meta en específico?

琉火-lyubi-：Hasta que no haya logrado cierto objetivo, aún no puedo iniciar del todo con mi vida como miembro de esta banda. Hay un lugar en específico para ese propósito.

唯依葉-yuiha-：Aunque es un sueño a futuro, ¡me gustaría que nos convirtiéramos en una banda que no sólo esté activa en Japón, sino que también tenga actividades en todo el mundo! De momento y de una manera más concreta, ¡quiero que nuestro concierto de primer aniversario sea increíble y lo realicemos en un escenario grande!

和希-kazuki-：Me gustaría que fuésemos el tipo de banda que alegre los corazones de las personas durante los conciertos.

¿Con cuál artista les gustaría realizar una colaboración en el escenario?

琉火-lyubi-：ONE OK ROCK.

唯依葉-yuiha-：Es una pregunta difícil, pero ¿no sería emocionante y maravilloso realizar una colaboración con una orquesta clásica? (risas)

晏-an-：Me gustaría presentarme algún día con SID, quienes fueron la banda con la que conocí la escena Visual Kei.
和希-kazuki-：GLAY

¿Recuerdan cómo fue la primera vez que usaron maquillaje en el escenario?

琉火-lyubi-：Mi maquillaje estuvo terrible.

唯依葉-yuiha-：¿me pregunto cómo fue? (risas). Seguramente estaba muy desesperado que cuando menos me di cuenta ya había concluido con ese primer concierto. Durante la presentación me encontraba más preocupado por tocar, así que realmente no recuerdo nada respecto a mi maquillaje (risas).

晏-an-： Sentí que no era yo mismo. Recuerdo haber estado emocionado.  Pensé “¡Me he convertido en un músico Visual Kei! ¡Qué genial!”.

和希-kazuki-：Sentí que era otra persona diferente. Me impresionó que ver existiese un mundo así.

¿Les gustaría realizar una gira por México y otros países de Latinoamérica? ¿Hay algo en especial que les gustaría hacer como turistas en alguno de estos países?

琉火-lyubi-：¡Me gustaría ir a un parque temático de dinosaurios!

唯依葉-yuiha-：Escuché que en México hay un monumento de unas alas de ángel, ¡así que me gustaría ir al lugar donde se encuentra! También me han dicho que en Latinoamérica hay muchos amantes de la música y la cultura japonesa, ¡por supuesto que me encantaría realizar una gira si nos llegasen a invitar!

晏-an-：¡Claro que me gustaría realizar una gira en el extranjero! Aunque tal vez no se trate exactamente de hacer turismo, la imagen que tengo de México tiene que ver con el tequila, ¡así que quiero beber tequila autentico si llegase a ir a ese país!

和希-kazuki-：¡Sin duda me gustaría hacer una gira por allá! Quiero comer las especialidades de cada lugar. ¡También me gustaría comprar ingredientes y condimentos locales para traerlos a casa!

Finalmente, ¿podrían mandar un mensaje para todos sus fans extranjeros?

琉火-lyubi-：¡Quiero ir al extranjero para poder conocerlos! ¡Quiero ir al extranjero para poder conocerlos! ¡llámenos! ¡llámenos! ¡llámenos! ¡Por favor invítenos a presentarnos en el extranjero!

唯依葉-yuiha-：¡Muchas gracias por esta encantadora entrevista! Fans extranjeros del visual kei, ¡por favor continúen apoyándonos! ¡Les pido que me sigan en Twitter, Instagram y Facebook!

晏-an-：Soy An de Mikansei Alice. Nunca en mi vida he salido de Japón, ¡en caso de viajar al extranjero por primera vez me gustaría que fuera para realizar algún concierto! Cuando se de esa oportunidad, por favor enséñenme cuáles son las comidas más deliciosas o los lugares turísticos del lugar al que vaya.

和希-kazuki-：¡Gracias por su atención! ¡Algún día nos volveremos una banda grande y así podremos expandir nuestra música sin ningún problema! ¡Esperen por nosotros!

SITIOS OFICIALES 
mikansei-alice.com | starwaverecords.jp

Información para booking y prensa (México)
Royal Stage
royalstage.info[@]gmail.com